jueves, 12 de noviembre de 2026

Charlie - Datos y algunos discos


 

Detrás de los discos "Charlie y los Súper Éxitos del Momento" no había un cantante famoso ni un solista real, sino un proyecto instrumental de estudio creado en Argentina por el sello Discos CBS durante la década de 1970.

Para entender quién estaba detrás de ese nombre y cómo funcionaban estas ediciones, se pueden destacar los siguientes datos clave:

Un seudónimo comercial del sello. En los años 70, las compañías discográficas (como CBS y su sello económico Harmony) solían lanzar series de álbumes instrumentales con versiones cover de los hits radiales del momento para fiestas, boliches o música funcional. "Charlie" funcionaba como una marca ficticia para agrupar estas grabaciones.

El músico y productor detrás del proyecto. Las investigaciones discográficas y los créditos de los simples promocionales publicados en Discogs vinculan directamente estas grabaciones con el músico, guitarrista, arreglador y productor argentino Carlos Dattoli. Dattoli era un artista exclusivo y director artístico de Discos CBS en aquella época (conocido también por integrar el dúo pop Flash junto a su hermana Teresa y por haber sido productor de Sandro y Manuela Bravo).

Composiciones propias ocultas en los discos. Aunque la serie se vendía como un compilado de versiones instrumentales (con teclados, guitarras y metales) de éxitos internacionales y locales (como Oh, cuánto te amo, Sugar Baby Love o Qué será de ti), Dattoli incluía temas instrumentales de su propia autoría firmados bajo el alias de Charlie. Entre ellos se destacan piezas como "La mandarina a pedal" (incluida en el Vol. 2 de 1973) y "La tortuga enamorada" (editada en simple por CBS en 1975 e incluida en el compilado 14 Super Voltops 75).

Una saga exitosa en disquerías. Debido a su bajo costo y a que reunían las canciones más escuchadas de cada temporada en formato bailable o melódico instrumental, la colección llegó a superar los seis volúmenes editados entre 1973 y fines de los años 70, e incluso algunos de esos LPs fueron reeditados por CBS en otros países de Sudamérica.


Algunos álbumes de la saga de Charlie:

  1. Charlie y los éxitos del momento (Vol 1)  (1973) Harmony 17.210 (X)
  2. Charlie y los éxitos del momento (Vol 2)  (1973) Harmony 17.218 (X)
  3. Charlie y los super éxitos del momento (Vol 1) (1974) CBS 19.351
  4. Charlie y los super éxitos del momento (Vol 2) (1974) CBS 19.415 (Lo tengo desde hace 50 años!) (X) 
  5. Charlie y los super éxitos del momento (Vol 3) (1975) CBS 19.461
  6. Charlie y los super éxitos del momento (Vol 4) (1976) CBS 19.533
  7. Charlie y los super éxitos del momento (Vol 5) (1977) CBS 19.672
  8. Charlie y los super éxitos del momento (Vol 6) (1978) CBS 19.821



______________________________________

(X) Charlie y los éxitos del momento (Vol 1)
 (1973) Harmony 17.210



 

______________________________________

(X) Charlie y los éxitos del momento (Vol 2)
 (1973) Harmony 17.218





______________________________________

Charlie y los súper éxitos del momento (Vol 1)
(1974) CBS 19.351



______________________________________

Charlie y los super éxitos del momento (Vol 2)
(1974) CBS 19.415



 

______________________________________

Charlie y los super éxitos del momento (Vol 3)
(1975) CBS 19.461



 

______________________________________

Charlie y los super éxitos del momento (Vol 4)
(1976) CBS 19.533 y Cass 59.533



 

 

______________________________________

Charlie y los super éxitos del momento (Vol 5)
(1977) CBS 19.672




______________________________________

Charlie y los super éxitos del momento (Vol 6)
(1978) CBS 19.821





______________________________________
.
.
.



viernes, 6 de noviembre de 2026

Ariel Ramirez - Investigacion sobre su discografia

Ariel Ramírez - Investigación sobre su discografía


Comienzo hoy esta investigación, ya que no encontré un sitio en Internet que incluya todos sus álbumes.
Como siempre en estos casos, hago mi propio listado, siempre para mi, pero si a alguien le sirve mucho mejor.

Ariel Ramírez (Santa Fe, 04-Sep-1921 - f. 18-feb-2010 a los 88 años) fue un músico, compositor y pianista argentino de extensa trayectoria, considerado como una de las figuras más destacadas del nativismo argentino. Difusor de la cultura tradicional a través de una amplia discografía y de sus actuaciones al frente de su compañía de folclore desde 1955 hasta 1980. Autor de numerosas canciones criollistas sumamente populares y de la Misa Criolla, una de las obras más importantes de la música argentina. Fue elegido presidente de SADAIC (Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música), en cinco períodos: 1970/74, 1974/77, 1993/97, 1997/2001 y 2001/2005.

(Para mas datos biográficos, ver en Wikipedia)


La extensa y fundamental obra del pianista y compositor santafesino Ariel Ramírez marcó la historia de la música folklórica argentina y latinoamericana. Su discografía combina composiciones conceptuales masivas, grabaciones como solista al piano e históricas colaboraciones con grandes figuras.

Armé este esquema cronológico depurado centrado en álbumes oficiales (LPs, discos de 10" y obras conceptuales originales), basándome en catálogos históricos de la música andina, registros de coleccionistas y ediciones originales en sellos como Odeón, Philips y Microfón

Este es un trabajo preliminar, por lo que seguramente faltan álbumes. Si quien lee esto nota que tiene alguna copia no incluida, apreciaré mucho que me lo informe por mail detallando en lo posible el año de edición, el título y los temas incluidos a: mfiordelli|@gmail.com
Desde ya muchas gracias por su colaboración.


Discografía (Simples de 78 rpm - RCA Victor)

La primera etapa de grabaciones de Ariel Ramírez es fascinante y representa el eslabón perdido en las plataformas de streaming y bases de datos modernas. Según la IA, entre 1946 y 1956, el maestro grabó de manera exclusiva para el sello RCA Victor un total de 21 discos dobles de 78 RPM (es decir, unas 42 canciones en total). (Compilado por la esposa de AR: Norma Inés Cuello) aunque en mi listado encontré 22 discos, es decir, 44 temas.

En esta época, Ariel Ramírez se presentaba principalmente como un virtuoso solista de piano que buscaba traducir de manera académica y refinada la rítmica nativa que había investigado recorriendo el norte del país, fuertemente impulsado por Atahualpa Yupanqui.
Cruzando datos históricos del coleccionismo especializado y el catálogo curado por su entorno familiar, este es el desglose cronológico de sus placas más significativas en 78 RPM, detallando los temas que contenía cada "Lado A" y "Lado B":

  1. 1946-1: Lado A: Purmamarca (Bailecito)  Lado B: Malambo (El debut histórico) (Ambos temas compuestos por él) - Su primer contrato fonográfico dio luz a sus composiciones más puras y fundacionales. Purmamarca es un bailecito inspirado en la Quebrada de Humahuaca; Malambo demostraba la asombrosa destreza de su mano izquierda imitando el zapateo criollo.
  2. 1946-2 - Lado A: Pájaro Campana - Guirá tupin (galopa, de Félix Pérez Cardozo) / Lado B: La Tristecita (zamba, de Ariel Ramírez) - La Tristecita es la zamba que se transformaría en su primer gran éxito popular de ventas.
  3. 1947-1 – Lado A: Mi dicha lejana (canción paraguaya, de Emigdio Ayala Báez) / Lado B: Cuyana (aire de cueca, de Ariel Ramírez)
  4. 1947-2 - Lado A: El Pampeano (Gato) / Lado B: La Procesión del Santito (misachico, recop. Ariel Ramírez) - Entre 1947 y 1949 hizo arreglos regionales y folklore instrumental. Durante estos años alternó sus propias composiciones de piano con obras recopiladas de la rítmica andina y el litoral
  5. 1948-1 - Lado A: La Telesita (vidalita) / Lado B: Zamba de Vargas (recop. Ariel Ramírez)
  6. 1948-2 - Lado A: Chacarera de la serrana - Lado B: Gato de la fiesta (gato)
  7. 1949-1 - Lado A: La Equivocada / Lado B: La Volvedora (Zamba) - La Equivocada (Chacarera de Manuel Gómez Carrillo) se convirtió en una de las piezas fijas de sus conciertos de piano por su endiablada rítmica trunca.
  8. 1949-2 - Lado A: El alazán (estilo) - Lado B: Milonga de los fortines (milonga)
  9. 1949-3 - Lado A: Aguacero (canción litoraleña) - Lado B: El cosechero (polca criolla)
  10. 1950-1 - Lado A: Villancico norteño (villancico) - Lado B: Nacimiento (huella) Desde 1950 a 1954 se podría decir que es el período europeo de AR en el cual hizo muchas recopilaciones andinas. En 1950 AR viajó a Europa (viviendo en Roma, Madrid y Viena). Pero dejó sesiones grabadas previamente en Buenos Aires o enviaba material que RCA Victor continuó editando de forma regular.
  11. 1950-2 - Lado A: Amanecer en Tumbaya (aire de bailecito) - Lado B: Camino del indio (danza) 
  12. 1950-3 - Lado A: Kollasuyo (bailecito) - Lado B: Puna (baguala)
  13. 1951-1 - Lado A: Baguala de los pobres (baguala)  - Lado B: Trago de sombra (zamba)
  14. 1951-2 - Lado A: Golpe Seco (Malambo) - Lado B: La Carreta Volcada (Zamba)
  15. 1951-3 - Lado A: Zamba de los mineros (zamba) - Lado B: Bailecito de losquintos (bailecito)
  16. 1952-1 - Lado A: Chacarera del cardón (chacarera) - Lado B: Gato del festival (gato)
  17. 1952-2 - Lado A: El viejo bagual (estilo) - Lado B: Milonga triste (milonga)
  18. 1952-3 - Lado A: El Llanto (Zamba tradicional) - Lado B: Danza de las espuelas (Danza tipo malambo)
  19. 1953-1 - Lado A: La López Pereyra (zamba, de Artidorio Crespo) - Lado B: El gato de Verónica (gato)
  20. 1953-2 - Lado A: Agua y sol del Paraná (canción litoraleña) - Lado B: Río Manso (canción litoraleña)
  21. 1954-1 - Lado A: Vidalita del atardecer (vidalita) - Lado B: La huida (estilo)
  22. 1954-2 - Lado A: Taquirari del norte (taquirari) - Lado B: Carnavalito de la quebrada (carnavalito)
  23. 1954-3 - Lado A: La Vieja (Chacarera) - Lado B: Triste Pampeano N° 3 (Estilo, Estilo pampeano o Triste pampeano) Este último tema es una pieza clave, porque muestra su faceta de música de cámara de raíz folklórica, alejándose un poco de la rítmica puramente bailable.
  24. 1955-1 - Lado A: El Choclo (Tango) - Lado B: La Marinera (Danza peruana) - Un registro rarísimo donde ya demostraba su interés por registrar tango al piano mucho antes de su disco conceptual de 1977. En sus últimos dos años con el formato de 78 RPM, incorporó ritmos de otros países de Sudamérica (fruto de sus viajes a Perú y Bolivia en 1954) y colaboraciones con composiciones de otros autores.
  25. 1955-2 - Lado A: Zamba de mis pagos - Lado B: El Charrúa (Gato pampeano) Grabando obras de los Hermanos Ábalos.
  26. 1955-3 - Lado A: El clavel del aire (zamba) - Lado B: El choclón (danza criolla)
  27. 1956-1 - Lado A: Zamba de usted (zamba, junto a Félix Luna) - Lado B: La pomeña (zamba, recopilación y versión instrumental)
  28. 1956-2 - Lado A: La Última Palabra (Zamba) - Lado B: El Perro (Que paradójicamente es un Gato). Este es el último disco de esta mítica tanda de sencillos antes de que firmara contrato con el sello Philips y comenzara la era de los álbumes de larga duración (LPs) a partir de 1957-1958.


El destino de estos 78 RPM

Cuando RCA Victor vio el éxito que estaba teniendo el nuevo formato de vinilo a fines de los 50, agrupó la gran mayoría de estas pistas sueltas de 78 RPM y 
las editó en un disco recopilatorio LP de 10 pulgadas bajo el título de La Tristecita (1956), 
y años más tarde la discográfica volvió a lanzar esas mismas tomas de piano limpio en antologías tituladas 
"Siempre Vigente" o "Los Primeros Años"



Discografía (Albumes, LPs de 10' y 12')


1. La Era del 78 RPM y Primeros Discos de 10 pulgadas (1946–1956)
Antes de la estandarización del LP de 12", Ariel Ramírez registró decenas de placas individuales y pequeños compilados en formato de 10 pulgadas (generalmente con 8 temas).

  • 1951? – Ariel Ramírez y su Compañía de Arte Folklorico (Odeón - Edición de 10")
  • 1956 – La Tristecita (Odeón - EP / 10") – Contiene grabaciones fundamentales registradas a mediados de los 50.

2. Consolidación en LP y Grandes Solos de Piano (1957–1963)
Acá empieza la época dorada de sus álbumes de estudio de larga duración en vinilo.

• 1958 – Folklore por Ariel Ramírez (Philips) – Su primera gran declaración solista al piano cruzando ritmos regionales.
• 1959 – Folklore con Ariel Ramírez (Fono Platina / Difusión Musical) – Disco de culto muy difícil de encontrar en Discogs bajo la edición original, grabado junto a figuras como Mario Arnedo Gallo y Abel Figueroa.
• 1961 – Danzas Folklóricas Argentinas (Philips) – El manual definitivo en piano de la rítmica nacional.
• 1962 – Ariel Ramírez presenta su Compañía de Folklore (Philips) – Registro de ensamble con cantantes e instrumentistas de su mítica troupe de gira.
• 1963 – Coronación del Folklore (Philips) – Hito absoluto de colaboración. Álbum compartido con Eduardo Falú y Los Fronterizos.

3. Las Obras Cumbres de Estudio (1964–1972)
La etapa donde compone y graba las cantatas e hitos conceptuales más importantes de América Latina.

• 1964 – Misa Criolla / Navidad Nuestra (Philips) – La primera e histórica edición, con Los Fronterizos y Jaime Torres.
• 1965 – Los Caudillos (Philips) – Cantata poético-histórica con textos de Félix Luna e interpretada por Ramón Navarro.
• 1966 – La Zamba - Vol. I (Philips) – Álbum instrumental y de arreglos dedicado íntegramente a desmenuzar el género de la zamba.
• 1969 – Con piano y con charango (Philips) – Álbum a dúo oficial con Jaime Torres. En muchos catálogos de internet figura erróneamente indexado solo como simples o directamente se confunde con recopilatorios.
• 1969 – Mujeres Argentinas (Philips) – Obra cumbre junto a Mercedes Sosa y Félix Luna.
• 1970 – Altitud 2600 (Philips) – Segundo disco oficial a dúo con Jaime Torres, enfocado fuertemente en las raíces musicales del altiplano.
• 1971 – La Zamba - Vol. II (Philips) – Continuación de su exploración profunda del piano en la zamba.

• 1972 – Cantata Sudamericana (Philips) – Segundo gran proyecto conceptual masivo junto a Mercedes Sosa.

4. Últimas Producciones, Tangos y Nuevas Versiones (1977–1994)
En sus últimas décadas de estudio, Ariel alternó entre homenajes a otros géneros y la re-grabación de su obra máxima con tecnología moderna.

• 1977 / 1979 – El Tango Según Ariel Ramírez (Philips) – El maestro se corre del folklore tradicional para plasmar su visión instrumental de la música de Buenos Aires al piano.
• 1980 – Las Últimas Zambas (Philips) – Un álbum crepuscular volviendo a las raíces de su instrumento.
• 1981 – Misa por la Paz y la Justicia (Philips) – Obra litúrgica grabada con arreglos corales imponentes y fuerte contenido humanista.
• 1982 – La Hermanita Perdida (Homenaje a las Malvinas Argentinas) (Microfón) – Disco conceptual grabado en colaboración estrecha con Atahualpa Yupanqui (en textos) y la voz de Lolita Torres.
• 1991 – De Nuevo los Valsecitos Criollos (Philips) – Revisita nostálgica a la rítmica de los valses tradicionales.
• 1994 – Misa Criolla (Edición José Carreras) (Philips) – Grabación de estudio internacional que le dio una nueva vida global a su obra con el tenor español.

(POST EN EDICION)


Otras anotaciones 1:

Álbumes de Estudio y Obras Conceptuales (Orden Cronológico)
• 1958 – Folklore por Ariel Ramírez - Uno de sus primeros LPs destacados que recopila expresiones nativas al piano. Contó con la participación de un joven Jaime Torres en el charango para temas como "Santa Cruz".
• 1961 – Danzas Folklóricas Argentinas - Álbum fundamental de registro solista y ensamble dedicado a los ritmos tradicionales del país (zambas, chacareras, gatos).
• 1964 – Misa Criolla / Navidad Nuestra - Su obra cumbre absoluta, compuesta en 1963-1964 y lanzada oficialmente en disco en 1965. Combina la liturgia católica con ritmos nativos (vidala, carnavalito, chacarera trunca). Colaboradores clave: Voces de Los Fronterizos, el charango maestro de Jaime Torres, la percusión de Domingo Cura y el coro dirigido por el padre Jesús Gabriel Segade. En el reverso incluía Navidad Nuestra, con letras del historiador Félix Luna.
• 1965 – Los Caudillos (Tengo el álbum) - Cantata épica compuesta junto a Félix Luna. Colaboradores clave: Interpretada por la voz del riojano Ramón Navarro, acompañado por un imponente ensamble vocal e instrumental.
• 1969 – Mujeres Argentinas - Un clásico de la música popular sudamericana con poesía de Félix Luna, que rinde homenaje a mujeres esenciales de la historia del país (incluyendo hitos como "Alfonsina y el mar" y "Juana Azurduy"). Colaborador clave: Interpretado íntegramente por la mítica voz de Mercedes Sosa.
• 1972 – Cantata Sudamericana - Continuación espiritual del trabajo poético-musical con Félix Luna enfocado en la identidad del continente americano. Colaborador clave: Cuenta nuevamente con el protagonismo interpretativo de Mercedes Sosa.
• 1980 – Misa por la Paz y la Justicia - Otra gran composición de carácter litúrgico y humanitario escrita sobre textos litúrgicos oficiales y poemas propios.
• 1980 – La Hermanita Perdida - Obra conceptual dedicada a las Islas Malvinas con poemas de Atahualpa Yupanqui.


Colaboraciones Especiales y Discos a Dúo

• 1964 – Ariel Ramírez y Jaime Torres – Disco 1 Jaime Torres (Charango) Diálogos íntimos de piano y charango interpretando clásicos andinos.
• 1969 - Ariel Ramírez y Jaime Torres – Disco 2 Jaime Torres (Charango) Consolidación del dúo instrumental más famoso del folklore del norte argentino.
• 1977 - El Tango Según Ariel Ramírez - Ensamble de Tango - Registro donde el maestro aborda las raíces de la música ciudadana de Buenos Aires.
• 1994 - Misa Criolla (Nueva Versión) - José Carreras - Grabación mundial de la Misa Criolla con el célebre tenor lírico español.


Otras anotaciones 2:

El paso de Ariel Ramírez de RCA Victor a Philips en 1957 no fue un simple cambio de sello comercial; significó una revolución estética, tecnológica y conceptual en su carrera. Fue el catalizador que le permitió dejar de ser "el pianista que grababa canciones sueltas de tres minutos" para convertirse en el arquitecto de las obras conceptuales más ambiciosas del folklore americano.

La transición a Philips se explica a través de tres grandes quiebres:

1. El salto tecnológico: Del 78 RPM al Long Play (LP)
En RCA Victor, el maestro estaba atado al límite de tiempo de las placas de cera o goma laca. Philips llegó a la Argentina con la última tecnología de grabación en cinta magnetofónica y el prensado de vinilos de alta fidelidad (Microgroove).
Qué significó para Ariel: Pudo empezar a concebir álbumes como una unidad artística integral. Ya no pensaba en "un tema para el Lado A y otro para el B", sino en obras que requerían un hilo conductor, textos introductorios en las contratapas y una narrativa sonora extendida.

2. El nacimiento del "Estilo Philips" y las grabaciones solistas
El debut oficial bajo esta nueva casa discográfica se dio con dos álbumes que sentaron las bases de su sonido maduro:
• 1958 – Folklore por Ariel Ramírez (Philips P 08210 L): Es su carta de presentación en el sello. Aquí vuelve a grabar versiones definitivas de algunos de sus clásicos al piano, pero con una fidelidad de audio inédita para la época.
• 1959 / 1961 – Danzas Folklóricas Argentinas (Philips P 08221 L): Este álbum es clave para entender la transición. Concebido casi como un proyecto pedagógico, Ariel registra las danzas tradicionales con una precisión rítmica impecable. En la contratapa se incluían textos explicativos de cómo se bailaba cada ritmo. Fue un éxito masivo en las escuelas y hogares argentinos.

3. De Solista a Director: La creación de la "Compañía"
RCA Victor lo promocionaba como un pianista virtuoso. Philips, en cambio, le dio el presupuesto y la libertad para convertirse en director de ensamble. Es en esta transición donde Ariel empieza a incorporar sistemáticamente a otros músicos bajo su ala protectora.
• El ingreso de Jaime Torres y Domingo Cura: En las sesiones de fines de los 50 y principios de los 60 en los estudios de Philips, Ariel empieza a experimentar con el diálogo entre su piano, el charango de un jovencísimo Jaime Torres y la percusión de Domingo Cura.
• El ensayo general de la obra cumbre: En 1962 edita Ariel Ramírez presenta su Compañía de Folklore. Este disco es el verdadero eslabón de transición: ya no es solo su piano, sino un coro y un grupo de instrumentistas ensayando el formato polifónico que, apenas un año después (1963), se convertiría en la estructura definitiva para grabar la Misa Criolla.

____________________________

Aclaración 1:
Muchos de los discos que faltan en las plataformas tradicionales son los álbumes educativos y las colecciones regionales que Ariel Ramírez editó a fines de los 60 y principios de los 70 (por ejemplo, los fascículos de La Historia Popular. Para poder incorporarlos a este listado habría que cruzar los datos de tus discos físicos con el registro oficial de partituras e inscripciones de obras de SADAIC (institución que él mismo presidió durante varios períodos), ya que ahí están asentadas las fechas reales de composición de cada pieza.

____________________________
Aclaración 2: (Las series numéricas de Philips en Argentina)
Philips modificó su sistema de numeración de catálogos a principios de la década de 1970.

• Los discos de los años 60 solían usar prefijos como 820 o 855 (como la Misa Criolla original, que es el LP 82039).
• Los códigos de siete dígitos que empiezan con 6499 corresponden a la serie de Álbumes Dobles de Lujo que el sello lanzó a mediados de los 70 para empaquetar grandes éxitos o colaboraciones históricas de sus artistas top (como Mercedes Sosa, Eduardo Falú o, el dúo Ramírez-Torres).

____________________________
Aclaración 3: (Discogs)

• El caos de Discogs con los artistas de folklore argentino es real: mezcla singles de 78 RPM prensados en sellos fantasmas, reediciones europeas con otros nombres y lanzamientos colectivos que ensucian la vista. Pero esto nunca será una crítica, ya que Discogs es mi página de cabecera. Invaluable es la función que cumple a nivel mundial y en todo caso a nosotros corresponde mejorar las publicaciones existentes (acabo de agregar 13 fotos a la publicación de un álbum de Ariel Ramírez) y también ampliar la base de datos con los álbumes que no figuran todavía o si tenemos versiones diferentes que aún no están publicadas. ¡Lleva tiempo pero vale la pena!


____________________________
Aclaración 4: (IA)

• La IA ha sido de gran ayuda para armar este posteo. ¡Muchas gracias a sus creadores!


(POST EN EDICION)


__________________________________________________
.
.
.

 

martes, 6 de octubre de 2026

Santana – Blessings And Miracles (Bendiciones y milagros) 2 LPs



Hace poco conseguí una copia en vinilos de este muy buen álbum doble de la banda Santana, y quiero comentar algunos datos que me resultaron interesantes.

"Blessings and Miracles" (Bendiciones y milagros) es un álbum de estudio que contiene principalmente temas nuevos e inéditos grabados específicamente para este proyecto, acompañados por una versión (cover) de un clásico ajeno. No es una recopilación de canciones ya publicadas previamente por la banda.

Detalles del álbum:

• Formato de grabación. Es el vigésimo sexto álbum de estudio de la banda Santana*, lanzado el 15 de octubre de 2021 y producido por el propio Carlos Santana. Se preparó durante dos años y, debido a la pandemia, gran parte de las colaboraciones se coordinaron de forma remota.

• Material nuevo e inédito. De las 15 pistas que componen el disco, 14 son composiciones nuevas creadas para este lanzamiento. Entre ellas destacan colaboraciones inéditas como Move (con Rob Thomas), Joy (con Chris Stapleton), America for Sale (con Kirk Hammett) y temas instrumentales originales como Song for Cindy.

• Versión incluida. La única excepción de material no original es la reinterpretación de A Whiter Shade of Pale, el clásico de 1967 de la banda Procol Harum, grabada junto a Steve Winwood en la voz.


Blessings and Miracles reúne a 17 artistas y músicos invitados de géneros como el rock, jazz, country, pop y hip hop. Además de grandes estrellas internacionales, el disco incluye participaciones especiales de los propios hijos de Carlos Santana.

Lista completa de canciones e invitados

# Canción Músicos invitados / Colaboradores Rol o referencia
1 Ghost of Future Pull / New Light Sin invitados Tema instrumental de apertura
2 Santana Celebration Sin invitados Interpretado por la banda base
3 Rumbalero Salvador Santana y Asdru Sierra Teclados/voz (hijo de Carlos) y trompeta/voz (Ozomatli)
4 Joy Chris Stapleton Voz y composición (estrella del country/blues)
5 Move Rob Thomas y American Authors (Zac Barnett) Voces (reencuentro tras Smooth junto a la banda indie pop)
6 A Whiter Shade of Pale Steve Winwood Voz y órgano (leyenda de Traffic y Blind Faith)
7 Break Ally Brooke Voz (exintegrante de Fifth Harmony)
8 She's Fire Diane Warren y G-Eazy Composición y voz/rap
9 Peace Power Corey Glover Voz (vocalista de Living Colour)
10 America for Sale Kirk Hammett y Marc Osegueda Guitarra (Metallica) y voz (Death Angel)
11 Breathing Underwater Stella Santana, Avi Snow y MVCA Voz (hija de Carlos), voz y producción electrónica
12 Mother Yes Sin invitados Interpretado por la banda base
13 Song for Cindy Sin invitados Instrumental dedicado a su esposa Cindy Blackman
14 Angel Choir / All Together Gayle Moran Corea y Chick Corea Voz y teclados (grabación póstuma del maestro del jazz)
15 Ghost of Future Pull II Sin invitados Cierre instrumental


Datos destacados de las colaboraciones
• Grabación póstuma de Chick Corea. El legendario pianista de jazz participó junto a su esposa Gayle Moran Corea poco antes de fallecer en febrero de 2021.
• Sello familiar. Es uno de los pocos trabajos donde participan sus dos hijos en pistas distintas, Salvador Santana en los teclados y Stella Santana en las voces. Ambos son hijos del primer matrimonio de Carlos Santana con Deborah King. Además, la actual esposa de Carlos, Cindy Blackman toca la Batería en casi todo el álbum.

Integrantes de Santana que grabaron en el álbum

Carlos Santana. Guitarra principal, guitarra rítmica y percusión (en las pistas 1 y 15).
Cindy Blackman Santana. Batería en casi todo el álbum (excepto en las pistas 4 y 7).
Benny Rietveld. Bajo (en todas las canciones excepto en las pistas 4, 7 y 13).
David K. Mathews. Teclados y órgano Hammond B3 (excepto en las pistas 7 y 13).
Karl Perazzo. Timbales, congas, percusión (excepto en la pista 5) y voces (en las pistas 3 y 12).
Tommy Anthony. Guitarra rítmica (pistas 9, 10 y 12) y voz principal (en la pista 12).
Andy Vargas. Voz principal en la canción Break (pista 7).

Miembros acreditados sin participación en las pistas:
Paoli Mejías y Ray Greene. Ambos figuran en los créditos del librillo como integrantes oficiales de la formación en vivo de Santana en ese momento, pero no grabaron instrumentos ni voces en ninguna canción del disco.


* Ver discografía de Santana en este Blog

Fuentes: Wikipedia y Discogs e IA.

____________________________________
.
.
.

domingo, 6 de septiembre de 2026

Saints & Sinners (Santos & Pecadores) Whitesnake - Algunos datos sobre la grabación de este disco de 1982

 

Todos los temas del álbum Saints & Sinners fueron grabados por Ian Paice en la batería. El legendario Cozy Powell no grabó ninguna de las canciones de este disco de Whitesnake, ya que se unió a la banda justo después de que terminaran las sesiones de grabación. 

El proceso detrás de este álbum tuvo una particularidad histórica: 

La verdad sobre las grabaciones Ian Paice grabó el 100% del álbum: Los diez temas de la lista de canciones oficial de Saints & Sinners (1982) cuentan con la batería de Ian Paice, grabada antes de que el grupo se disolviera temporalmente a principios de 1982.

La entrada de Cozy Powell: Cuando el disco finalmente se editó en noviembre de 1982, David Coverdale ya había rearmado la banda con una nueva alineación que incluía a Cozy Powell. 

La confusión de los videoclips: Aunque Powell no tocó en el disco, aparece en las fotografías del álbum y en los videoclips promocionales promocionando canciones icónicas como la versión original de "Here I Go Again" y "Bloody Luxury"

La clave de la confusión está en separar la instrumentación base (ritmo) del acabado final (voces): 

La base rítmica es 100% de la formación Whitesnake (Mk III) David Coverdale, Jon Lord, Ian Paice, Micky Moody, Bernie Marsden, Neil Murray

Toda la batería, el bajo y las guitarras principales se grabaron entre 1981 y principios de 1982 por la alineación clásica antes de que la banda se desintegrara temporalmente. Las pistas de batería de Ian Paice quedaron intactas y no se volvieron a grabar

El disco fue "completado" por la nueva alineación (pero sin Cozy Powell en el estudio): En agosto de 1982, David Coverdale armó la nueva formación con Cozy Powell (batería), Mel Galley (guitarra) y Colin Hodgkinson (bajo). Para terminar el álbum, Coverdale llamó de vuelta a Micky Moody y sumó al nuevo guitarrista, Mel Galley, para registrar los coros finales y los retoques de producción en octubre de 1982.

En resumen: La afirmación "grabado en parte por la formación anterior pero completado por esta nueva alineación" hace referencia a los retoques de voces y mezcla final hechos justo antes del lanzamiento. Sin embargo, Cozy Powell no tocó una sola nota en el estudio para este disco, ya que las baterías de Ian Paice ya estaban terminadas y empaquetadas desde meses atrás. Powell solo se unió para las fotos, videos y la gira posterior. 

La disolución de la formación clásica de Whitesnake en 1982 es una de las historias más caóticas y fascinantes del rock. Fue una tormenta perfecta donde se mezclaron problemas financieros, choques de egos, una mentalidad comercial opuesta y una tragedia familiar. 

A principios de 1982, mientras grababan Saints & Sinners, David Coverdale decidió congelar la banda y despedir (o forzar la salida) de casi todos sus miembros. Los motivos principales fueron: 

1. El desastre financiero y el manager
La banda estaba teniendo mucho éxito en Europa y Reino Unido, pero estaban prácticamente en la quiebra y ahogados en deudas. El dinero de las giras y discos no llegaba a los músicos debido a contratos leoninos gestionados por el mánager de la época, John Coletta (quien también había manejado a Deep Purple). Coverdale se dio cuenta de que la única forma de salvarse financieramente era romper con el mánager, lo que legalmente implicaba congelar y desarmar el grupo.

2. Falta de ambición vs. "Mentalidad de empleados"
--La visión de Coverdale: David sentía que los demás músicos (Bernie Marsden, Micky Moody, Neil Murray) se habían acomodado en una "mentalidad de pub" británica. Él quería conquistar el mercado de los Estados Unidos, lo que requería una producción más ambiciosa, vídeos musicales impactantes y una imagen de "estrellas de rock" más pulida.
--La visión de la banda: Los músicos sentían que Coverdale estaba empezando a actuar como si él fuera el único dueño de Whitesnake, tratándolos como meros empleados contratados en lugar de miembros con igualdad de condiciones.

3. Ian Paice y Jon Lord ya eran leyendas multimillonarias por su pasado en Deep Purple. Paice, además, ya era un hombre de familia y no tenía el mismo hambre de gloria ni ganas de pasar meses en extenuantes giras americanas por poco dinero.

4. Una dura tregua familiar
En medio de toda esta tensión, la gota que derramó el vaso fue personal: la pequeña hija de Coverdale contrajo meningitis bacteriana. Devastado, el cantante detuvo las grabaciones por completo para internarse en el hospital a cuidarla. Durante ese largo parón, aislado en su casa y lejos de las presiones, tomó la fría decisión de que, cuando regresara a la música, lo haría bajo sus propios términos y con gente nueva



El desenlace

Cuando Coverdale regresó a los estudios a finales de 1982 para terminar el disco, llamó únicamente al guitarrista Micky Moody para que lo ayudara a terminar unas pistas, pero el resto de la banda clásica ya estaba fuera. Fue ahí cuando reclutó a Cozy Powell, un baterista con un estilo mucho más potente, visual y agresivo, ideal para la transición de Whitesnake hacia el sonido masivo de los años 80. 

Curiosamente, Coverdale repetiría exactamente esta misma jugada unos años más tarde, cuando en 1987 despidió a otra banda completa (incluyendo a John Sykes) justo después de grabar el legendario álbum homónimo de 1987

Jon Lord fue el único miembro original que se quedó al lado de David Coverdale durante esa tremenda crisis de 1982. 

Cuando las tensiones financieras y el parón por la enfermedad de la hija de Coverdale ocurrieron en 1982, Bernie Marsden, Neil Murray e Ian Paice se marcharon (o fueron desvinculados). Sin embargo, Jon Lord permaneció fiel a la banda

Esta lealtad dio pie a una curiosa e histórica transición:El puente entre formaciones: Gracias a que se quedó, Jon Lord fue el encargado de tocar los teclados tanto en el álbum Saints & Sinners (grabado con la formación clásica) como de salir de gira con la nueva alineación que incluía a Cozy Powell, Mel Galley y Colin Hodgkinson

El reencuentro de leyendas: Esto provocó que en los conciertos de la gira de 1982-1983 se juntaran en el escenario dos ex-miembros de Deep Purple (Coverdale y Lord) con una leyenda de Rainbow (Cozy Powell), creando una de las alineaciones en vivo más potentes de la historia de Whitesnake. 

Su salida final: Jon Lord se mantendría en el grupo un tiempo más, llegando incluso a grabar el siguiente álbum de estudio, Slide It In (1984), antes de marcharse finalmente en abril de 1984 por una razón irrechazable: la histórica reunión de Deep Purple con su alineación Mark II (Gillan, Blackmore, Glover, Paice y el propio Lord). 


_______________________
Fuentes: 

____________________________________________________
.
.
.




miércoles, 2 de septiembre de 2026

¿Discos de doble surco o de seis surcos paralelos? ¿Y el surco invertido (De adentro hacia afuera)? ¡Sí, existen!

Sí, los discos de vinilo de doble surco (también conocidos como de surcos concéntricos o paralelos)  existieron y se siguen fabricando en ediciones especiales.

Tienen dos o más pistas independientes grabadas de forma paralela en la misma cara del disco. Al colocar la aguja al inicio, esta cae en uno de los surcos al azar. ¡Dependiendo de dónde caiga la púa, se reproduce una canción, versión o contenido completamente distinto sin que los surcos se crucen!



Miguel Mateos - Zas (Perdiendo el control, 1985) Noten el espacio sin grabar en el borde del disco, que es el final y no el inicio de la grabación. Fotos de la copia que tengo en mi colección


Ejemplos famosos:

--Monty Python: Su famoso álbum Matching Tie and Handkerchief (1973) usaba este truco en una de sus caras para que sonaran chistes diferentes según el surco en el que aterrizara la aguja.


--Música y maxisimples: El sencillo de 12 pulgadas de M titulado "Pop Muzik" incluía temas alternativos grabados de esta manera. 

  
 

Arriba la versión de México y abajo las versiones de Francia y Alemania

 


--En Argentina, el sello Shazam editó en 1985 un maxisencillo de Miguel Mateos con esta curiosidad técnica. Es el caso icónico de Argentina. Miguel Mateos - Zas (Perdiendo el control, 1985): Como LES adelantaba, el sello Sazam Records editó un Maxi Single de 12 pulgadas extremadamente codiciado por coleccionistas argentinos. El disco incluye la versión en inglés de su éxito "Perdiendo el control" (bautizada "Obsession"), pero la verdadera rareza técnica es que cuenta con un surco paralelo invertido. Dependiendo de cómo cae la aguja, el tema se reproduce de la forma convencional o con variaciones en el orden del audio, un truco promocional rarísimo para el rock nacional de la época.

 




Muchos otros artistas de géneros musicales muy diversos usaron los discos multisala o de surco paralelo como una herramienta creativa, promocional o de colección

___________

Ejemplos destacados del resto del mundo:

--De La Soul (Me Myself and I, 1989): Los pioneros del hip-hop utilizaron este recurso en las ediciones de 12 pulgadas de su famoso sencillo. El lado B presentaba un surco doble: uno contenía las remezclas de la canción y el otro incluía skits (audios cómicos y diálogos) típicos de la banda. Los DJs de la época se volvían locos intentando acertar al surco correcto en vivo.


--The Wedding Present (Suck, 1991): Esta banda de rock indie británica llevó la idea al formato de 7 pulgadas. Grabaron dos versiones de la canción "Suck": una interpretada por ellos mismos y otra cantada por la artista de folk-rock Amelia Fletcher. Ambas corrían de forma paralela en la misma cara del disco.

--Los discos de caballos y apuestas (Décadas de 1970 y 1980): Fuera de la música comercial, existieron juegos de salón grabados en vinilo, como They're Off! Estos discos de 12 pulgadas tenían hasta 8 surcos paralelos en una sola cara. Cada surco narraba una carrera de caballos diferente con un ganador distinto. Los jugadores apostaban antes de poner la aguja y, como el inicio era completamente al azar, nadie sabía qué caballo ganaría esa vez.


--Discos de muestras de sonido (Test Records): En los años 50 y 60, empresas de audio de alta fidelidad fabricaban discos de prueba con surcos paralelos que contenían tonos de frecuencias idénticas. Servían para que los audiófilos calibraran el "anti-skating" (la fuerza lateral del brazo del tocadiscos). Si la aguja saltaba de un surco al otro, significaba que el brazo no estaba bien nivelado.


El ejemplo moderno más complejo:

Jack White (Lazaretto, 2014): Lanzó el bautizado "Ultra LP", considerado una obra maestra de la ingeniería moderna en vinilo. La cara A tiene dos introducciones diferentes (una acústica y otra eléctrica) grabadas en dos surcos paralelos. Ambos se unen más adelante cuando la canción principal arranca por completo.

 



Rock y Metal Alternativo:

--Tool (Opiate, 1992): En la edición en vinilo de 12 pulgadas de este EP, el segundo lado tiene un doble surco. Dependiendo de dónde caiga la púa, puedes escuchar el tema oculto "The Gaping Lotus Experience" o la versión en vivo de la canción "Cold and Ugly"


--Garbage (Only Happy When It Rains, 1995): El sencillo original de 7 pulgadas de este éxito de los 90 se prensó con surcos paralelos, intercalando contenido en la misma cara.



--Sonic Youth (100%, 1992): Su sencillo de 10 pulgadas sorprendió a muchos fanáticos que, al poner el vinilo de manera consecutiva, escuchaban canciones distintas en la misma cara sin entender qué estaba pasando

 


Pop y Música Comercial:

--Fine Young Cannibals (Good Thing, 1989): Al no decidir qué mezcla de la canción incluir en el disco, la banda optó por meter dos mezclas diferentes en paralelo en el mismo sencillo. El oyente obtenía una versión distinta al azar.



--Kate Bush (The Sensual World, 1989): El maxisencillo promocional de este tema incluyó en una cara la versión vocal estándar y, corriendo exactamente al lado en un surco paralelo, la versión instrumental.





Rarezas y Promocionales

--Rush (Rush 'n' Roulette, 1981): Fue un disco promocional extremadamente raro. En lugar de dos surcos, ¡tenía seis surcos paralelos! Al colocar la aguja al borde del vinilo, tenías una probabilidad entre seis de escuchar un tema diferente de la banda canadiense.

--Mr. Bungle (Disco Volante, 1995): Fieles a su estilo experimental y extraño, la banda liderada por Mike Patton incluyó un doble surco en medio de la cara A. Para escuchar el tema oculto "The Secret Song", el oyente debía atinarle manualmente con la púa al surco correcto.


---------

¿Cómo saber si tienes una joya de doble surco (o invertido) en casa?

Si estás revisando tu colección o vas a una feria de vinilos usados, estos son los tres pasos clave para identificar estas rarezas visualmente:

--A: Mira el "Run-out" o Matriz (El espacio vacío del centro) Mira la zona de vinilo liso que rodea la etiqueta central. Los ingenieros de sonido graban ahí un código a mano o con máquina (el número de catálogo).
Si el disco es de surco invertido, el surco de salida (lead-out) estará en el borde exterior del disco. Verás una línea gruesa y espaciada justo al borde del vinilo, que es donde la aguja se frena al terminar la canción.

--B: Examina los reflejos de luz en los surcos. Pon el vinilo bajo una luz directa brillante (como un velador o la linterna del celular) e inclínalo.
En un disco normal, las pistas de música se ven como bandas oscuras continuas separadas por pequeñas líneas grises (los silencios entre canciones).
En un disco de doble surco, verás que el patrón de luz es extraño: notarás dos espirales entrelazadas que corren juntas por toda la superficie. A veces se ven pequeños "saltos" visuales en el patrón de brillo del disco, ya que hay dos canales de información independientes compitiendo por el mismo espacio.

--C. Lee los créditos grabados a mano (Deadwax) Muchas veces, los ingenieros de corte firman sus discos en el espacio liso central e incluyen mensajes ocultos.
Si un disco tiene doble surco, es muy común encontrar palabras como "Parallel", "Double" o iniciales del ingeniero que indican que el prensado fue especial. Por ejemplo, en el disco de Monty Python que mencionamos antes, el código de matriz del centro indicaba claramente que el lado B tenía dos cortes (Pistas 1A y 1B entrelazadas).


=========================

Grabar al revés: El surco invertido (De adentro hacia afuera)

Los vinilos convencionales se reproducen desde el borde exterior hacia el centro. Sin embargo, existe el surco invertido (inside-out groove), donde colocas la aguja cerca de la etiqueta central y el brazo se mueve solo hacia el borde exterior.

¿Por qué se hace esto? (El secreto físico)

No es solo un capricho estético; tiene una razón técnica ligada a la distorsión de fin de lado (inner groove distortion):

--A medida que la aguja se acerca al centro del disco, el círculo se hace más pequeño.

--Como el disco gira a una velocidad constante (por ejemplo, 33 RPM), la aguja tiene menos espacio físico (menos centímetros de vinilo por segundo) para leer la misma cantidad de información musical.

--Esto comprime las frecuencias más complejas y suele hacer que las canciones del final del disco pierdan brillo o distorsionen.

Si una canción es extremadamente ruidosa, rápida, llena de agudos o tiene un clímax orquestal enorme, los ingenieros a veces eligen grabarla empezando desde el centro. Así, el clímax de la canción se reproduce en el borde exterior del vinilo, donde hay mucho más espacio físico y la fidelidad de audio es máxima.

Ejemplos famosos:

--Jack White (Lazaretto): La cara A de este disco se reproduce de manera normal, pero la cara B es completamente invertida (de adentro hacia afuera).

--Charly García / Sui Generis: En algunas ediciones de prueba de sonido de los años 70 en Argentina se experimentó con esto, 

--Aunque el caso más famoso en el rock en español fue el maxisencillo de Miguel Mateos mezclando ambas tecnologías.



______________________________________________

.
.
.